Carnets sur sol

¶ Marc Mauillon écrase tout, osant les vocalisations les plus retorses sans jamais être à côté du moindre rythme, et émettant ce son extraordinairement libre et présent, comme chanté à côté de vous, qui le caractérise. Pourtant, il n'y a pas beaucoup de timbre qui passe la rampe, mais le texte, lui, s'articule aussi précisément que dans un murmure. Miraculeux comme d'habitude.

¶ Quant à Cyril Auvity, c'est toujours un enchantement d'entendre sa technique peu orthodoxe — il me semble avoir observé qu'il ne chantait pas larynx haut, mais c'est l'effet qu'il produit, comme si sa cavité se réduisait et se tendait en montant, mais sans jamais manifester la moindre faiblesse, et avec une belle projection pour une voix aussi pure et apparemment contrainte. À titre personnel, je le trouve encore plus exaltant dans les éclats de la tragédie que dans les suspensions des airs de haute-contre, parce que la déclamation est d'une ardeur sans exemple, mais « Montes exultaverunt » (In Exitu Israel) reste l'un des moments les plus ineffables de la soirée.

Pour Les Boréades, je suis moins satisfait, car je remarque quelques constantes déjà signalées depuis que l'équipe des Arts Florissants semble attacher moins d'importance à former les jeunes chanteurs sur ce point (irradiant autrefois tout le milieu) :

¶ Beaucoup de voix manquent de franchise, et restent un peu en-dedans du corps (cela ne concerne pas que le baroque, mais tout le répertoire lyrique actuellement).

¶ Des barytons pas particulièrement pourvus « en bas » chantent des rôles de basse.

¶ Et surtout, même si la diction est bonne (sauf pour les dames ce soir, j'y reviens), le texte n'est pas à proprement parler déclamé. On entend les mots, mais les appuis de la prosodie, leur lien avec la musique, l'expressivité de la langue ne sont pas sollicitées. C'est d'autant plus dommage que les techniques de chant utilisées le permettraient très facilement, si l'accent était porté sur cette dimension du travail : les barytons ne chantent que dans les graves, et les ténors ont droit aux cordes fines, au larynx haut, au fausset, et ne sont pas obligés de couvrir — donc n'ont pas besoin d'abîmer leur texte pour chanter leurs parties.

Julie Fuchs a beaucoup progressé dans ce répertoire, et la voix, pourvue d'un timbre affirmé, assez glorieuse en termes de projection (surtout pour le médium d'un soprano léger !), explique sans doute son exposition médiatique généreuse ces derniers temps. Plus aucune dureté. En revanche la vocalisation, effleurée, n'est pas d'aussi bonne qualité — peut-être parce que le rôle, plus long, lui a moins laissé le temps de se préparer. En tout cas, c'est vraiment très bien chanté de bout en bout.
Mais ce que je n'ai pas aimé du tout, c'est que la diction, passé une entrée intelligible (à défaut d'être expressive) se centre sur une seule voyelle « bonne pour sa voix », tout en négligeant les consonnes. Si bien que pendant ses airs, on n'entrave vraiment que dalle à ce qui s'astringue.
Si elle veut faire du son, qu'elle aille pioupiouter chez les belcantistes, opere serie ou romantiques, et qu'elle nous laisse respecter Rameau avec les égards qui lui sont dus. Non mais.

Toutes les basses étaient plutôt des barytons, à l'exception de Damien Pass (Borée), au minimum baryton-basse. J'ai assez aimé André Morsch (Adamas), d'une couleur très différente de celle, allégée et étonnante, qu'il avait adopté dans Cadmus et dans pas mal de ses rôles à la même époque : le son est au contraire affirmé et très bien projeté, celui d'un vrai baryton.

Mais c'est le cas de Samuel Boden (Abaris) qui m'intéresse le plus. Manifestement très inspiré par l'émission de Paul Agnew, il chante dans un style parfait de bout en bout : nuances, accolement des cordes de plus en plus fin pour monter (sans doute comme on faisait à l'époque), légères couleurs plutôt mixtes ou plutôt fausset selon les passages, élégante délicatesse du phrasé… Il ne déclame pas vraiment (comme les autres), mais il dit assez bien.
En revanche, la voix est vraiment petite et ne se projette jamais : on l'entend parce qu'il n'est pas loin, mais elle ne s'élance pas vraiment à travers la salle. C'est très étonnant, parce qu'il dispose de toute la palette nécessaire, mais au moment de s'épanouir dans les résonateurs faciaux (qui semblent ouverts), le son semble se cacher légèrement derrière. J'ai l'impression que cela tiendrait à très peu de chose techniquement, et cela lui ouvrirait la porte d'un éclat nouveau, bon pour la diversité de ses expressions, bon pour la déclamation, bon pour le timbre (qui reste un peu translucide alors que tout est là pour une très belle couleur, que ce soit plutôt à la Aler ou plus à la Spence).

D'une manière générale, un certain nombre des voix de ce soir (en particulier Chloé Briot et Manuel Nuñez Camelino) cèdent un peu au cliché longtemps colporté sur le baroque, de petites voix qui se cachent à l'intérieur du corps sans utiliser toute la résonance. C'est dommage, parce que le matériau est intéressant, et rien qu'en libérant un peu le son (il faut plus d'effort pour le maintenir ainsi que pour le laisser sortir !) le résultat pourrait être sensiblement plus électrique — bien que Nuñez Camelino ne soit pas dépourvu de qualités et même, à sa mesure, d'une forme de vaillance.

Bref : c'est bien beau de jouer sur crincrins et pouêtpouêts anciens, mais si on pouvait respecter ce que l'on sait de la déclamation (hystérisante et pas forcément harmonieuse vocalement) d'époque, ça servirait à quelque chose !