Carnets sur sol

Oui, ce n'est pas glorieux pour un aventurier de l'occulte, mais la Cinquième de Tchaïkovski fait partie de la moins-que-dizaine d'œuvres que j'aime revoir régulièrement en concert – et cela, par la force des choses, ne peut inclure que des œuvres très régulièrement jouées. Certes, on n'entend pas tous les jours l'Ouverture en fa, mais c'est un peu court (et, quoique chouette, pas assez fondamental) pour me servir d'alibi.

Et ce ne fut pas une grande expérience, contrairement au concert de Paavo Järvi en début de saison.

Déjà, l'orchestre, que je découvrais en vrai, ne sonne pas différemment du disque : de tous les orchestres russes que j'ai entendus jusqu'ici, au disque ou en salle, c'est le seul à ne pas être du tout typé. Ce pourrait être l'Orchestre du Northumberland ou de Poitou-Charentes (avec beaucoup de progrès tout de même), on n'y verrait que du feu. Seuls vestiges d'une école nationale, le hautbois solo très sombre (à telle enseigne qu'on croirait vraiment entendre un hautbois d'amour – hautbois alto), et le vibrato passé de mode du cor solo (dont le timbre n'est pas au demeurant aussi marquant).

Ensuite et surtout, tout est dirigé dans un legato uniforme, sans rubato, tout droit, d'une façon scolaire qui laisse interdit : même les simples appuis de la mesure ne sont pas utilisés, tout file en exécution automatique. J'ai découvert après le concert que si Pletnev était très en-dessous de ses standards (et qu'il avait sérieusement vieilli), c'est qu'il avait été remplacé au pied levé par Dmitri Liss (un courriel avait été adressé dans l'après-midi), ce qui explique la précaution d'une exécution faite avec, au maximum, un petit filage (probablement même pas complet) avant le concert. Je reste tout de même surpris, de la part de ces musiciens et du chef de l'Orchestre Philharmonique de l'Oural, que même dans l'urgence, la familiarité ne soit pas telle avec l'œuvre qu'on sente un brin plus d'abandon et de plaisir.

De toute façon, l'ensemble était gâché par l'acoustique épouvantable de la Philharmonie (second balcon latéral) : la réverbération est si longue que les accords se mélangent, que le piano semble décalé (ce qu'il n'est pas), que le son, déjà flou et mou, paraît dépouillé de ses harmoniques, comme passé par une moulinette mp3. L'intérêt d'aller au concert dans ces conditions apparaît discutable. Après replacement aux meilleures places du premier balcon, l'acoustique est correcte, mais toujours pourvue d'une réverbération qui gêne la précision du son et donne l'impression d'une acoustique de hangar vide plutôt qu'elle ne procure de l'ampleur (ça ne vaut pas forcément mieux que le son « en vagues », un peu saturé mais plus physique, du parterre de Pleyel. Le concept des balcons-nuages, qui a sans doute émerveillé le décideur culturel, semble une belle pantalonnade à l'usage : dans une salle aussi grande (et asymétrique), on a déjà des retours de son inévitables, alors s'amuser à amplifier le problème passe l'entendement.

Au total, il reste assez peu de places (les premières que j'ai essayées, en fait, d'où mon impression très positive, supposant qu'elles n'étaient pas, de loin, les meilleures !), chères ou pas, où la plus-value sonore du concert est réelle. À continuer de tester avec les ajustements à venir, mais cela semble excéder, justement, les seuls réglages. On tient là l'antithèse du son analytique parfaitement sec de l'Auditorium de Radio-France. Un moyen terme pour les deux aurait aidé. Pire des cas, la frustration fera faire des économies et laissera du temps pour aller dans les petites salles. Un peu frustrant tout de même vu l'énergie et l'argent mis dans le projet…

Au piano, Nikolaï Luganski, même écouté à l'envers, est impressionnant : netteté du timbre et des phrasés, maîtrise des épanchements (présents, toujours avec goût), il est d'une aisance folle – on est près à lui pardonner son répertoire qui se limite totalement aux œuvres les plus célèbres d'une demi-douzaine de compositeurs, quand c'est pour aboutir à cela. C'est aussi de la sorte de Leo Nucci expliquait, récemment, sa longévité vocale : en chantant toujours les mêmes rôles (les pères barytons dans Verdi, en l'occurrence), on prend des réflexes et on évite les surprises et les forçages, ce qui rend plus à l'aise, ce qui évite les surprises et les forçages, ce qui préserve la voix, ce qui…
(Heureusement que d'autres prennent un peu de risques sur leur carrière, évidemment, sans quoi les concerts seraient bien plus répétitifs.)

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Madrigali guerrieri du Huitième Livre de Monteverdi – Les Arts Florissants, Paul Agnew

Bien que non-spécialistes par rapport à la plupart des ensembles officiant dans ce répertoire, j'ai toujours eu un faible pour les madrigaux des Arts Florissants. Avant-hier pour la typicité de leurs voix (leur premier disque de madrigaux chez Harmonia Mundi, par exemple : des individualités qui déclament, et pas ces petits instruments translucides et interchangeables utilisés par le Concerto Italiano d'Alessandrini), hier pour la qualité de leur déclamation (leur Combattimento), aujourd'hui pour l'inventivité du continuo, très riche ce soir-là (deux violons, deux altos, une viole de gambe, un violone, deux clavecins, un positif, un luth, un théorbe, une harpe !), et prodigue en associations colorées.

Les voix des solistes m'intéressent moins que jadis, les choristes des Arts Flo ayant toujours été choisis pour leur timbre un peu pâle (les précédents disques étaient enregistrés par les solistes fétiches de Christie, qui n'ont pas le même profil), mais les solistes à proprement parler m'ont impressionné : Paul Agnew, que les ans semblent si peu atteindre, Lisandro Abadie, en réel progrès (belle autorité) et surtout Cyril Costanzo, qui ne m'avait pas vraiment touché en retransmission mais qui possède un grain assez physique (et une très belle extension grave) en vrai !

Contrairement à ce qui était annoncé, ce n'est pas Sean Clayton mais Paul Agnew qui tint le testo du Combattimento, et on voit bien ce que cette agilité (et cette tessiture basse) imposent à rebours de la nature de son instrument moelleux (et de sa prononciation pas très idiomatique). Néanmoins, l'ensemble reste très beau (Hannah Morrison offre la plus extraordinaire mort de Clorinde de tous les temps, d'une finition incroyable, toutes les inflexions de la mort passant dans la voix sans le moins vacillement… et sans paraître apprêtée pour autant). Très belle soirée, suivie de la seconde moitié du livre le mois prochain.

Comme tout le reste de l'aventure, peut se voir sur CultureBox.

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La Révolte de Villiers de l'Isle-Adam aux Bouffes du Nord

Forcément attiré par une pièce d'un auteur qu'on connaît pour son legs un peu partout sauf au théâtre. Assez déçu du résultat : pièce courte d'1h15, sans doute destinée à être couplée, ne convoquant que deux personnages, et une seule idée : Élisabeth, femme docile et experte dans les comptes de son marie, lui annonce soudainement qu'elle le quitte (et sa fille par la même occasion). Tout le reste consiste en une heure de verbiage sur la beauté du rêve qu'il faut poursuivre face à la médiocrité d'un mari qui ne parle que profit.
Seule surprise, le retour d'Élisabeth à la fin, qui se rend compte qu'il est trop tard et qu'elle ne peut plus s'extirper de ses habitudes pesantes.

On voit bien tout ce que ce choix peut avoir d'idéologique, et le programme de salle (Blandine Masson) va même jusqu'à lui reprocher de ne pas avoir davantage défendu une thèse :

C'est là qu'intervient un nouveau mystère si Villiers de L'Isle-Adam avait été une femme, aurait-il, aurait-elle écrit le retour d'Élisabeth ? « On n'efface pas », dit Élisabeth. Alors, qui est cette nouvelle femme « atteinte d'un ennui éternel » qui revient s'asseoir, quelques heures plus tard, à la table des comptes ? Lorsqu'ille frissonnait dans la nuit, acablée par le sentiment de solitude et d'exil, on aurait aimé que cette Élisabeth entendue une voix, une seule : celle de l'écrivain Colette, qui écrira plus tard, beaucoup plus tard, au XXe siècle : « Renaître n'a jamais été au-dessus de mes forces ». En 1870, il était encore trop tôt pour Élisabeth…

Car, bien sûr, un écrivain est fait pour confirmer les certitudes morales qui siècle suivant.

La pièce, terrible, a de quoi faire frémir tous les vieux couples (toute cette rancœur silencieuse qui révèle l'étendue d'un mépris toujours dissimulé, mon Dieu), et devait certainement être horrifique au XIXe siècle, un coup de tonnerre contre tous les standards moraux de la société… mais aujourd'hui, à part en essayant de se remettre sans cesse à la place du spectateur de l'époque (ce qui, en plus d'être impossible, est en l'occurrence vraiment inconfortable), il n'y a pas là de quoi nous émouvoir. Une femme pas contente qui part, c'est bien son droit…

Outre la désagréable impression d'un choix idéologique, je suis surtout très lassé par le contenu lui-même, qui ressasse à l'infini la même notion (c'est un peu Tristan de Wagner sans la musique – ouille), sans que rien ne progresse : dès le premier quart d'heure, toute la substance est là. Et il reste une heure à écouter ce qui tient désormais de la platitude.

Intéressant à lire, incontestablement, ou à voir par extrait, comme un témoignage historique, mais de là à aller s'asseoir (et à payer le tarif d'une pièce complète) après une journée de travail, pas convaincu. Les comédiens aussi, assez univoques (mais, vu le contenu, peut-on les en blâmer ?) ne m'ont pas complètement transport. Joli cadre tradi de Marc Paquien, certes.

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Second concert de l'ensemble vocal Mångata, avec le chœur Resonance of Birralee

Le premier concert de Mångata avait déjà été couvert dans ces pages ; on se situe largement dans la même esthétique du chœur a cappella du XXe siècle de meilleure tradition, avec des harmonies lisibles mais augmentées de nombreuses notes étrangères, des effets de ruptures et de strates qu dénotent, de la part des compositeurs (Gordon Lamb, György Orbán, Carl-Bertil Agnestig, Julio Domínguez, Gyöngyösi Levente, Lájos Bárdos, Patrick Burgan, Stefan Kalmer, Alberto Grau…) une véritable science du chœur. Assez jubilatoire, en particulier dans sa partie sacrée toujours très extravertie. Investissement « scénique » impressionnant de la part des chanteuses, pour ne rien gâcher.
L'effectif s'est bien renouvelé au tiers (les jeunes chanteuses devant retourner au pays ou poursuivre l'évolution de leur carrière sous d'autres ceux), mais les équilibres se sont vraiment améliorés (il y avait un léger déficit en graves), si bien qu'il ne reste plus guère de réserve à émettre, un régal intégral.

La seconde partie du chœur Resonance of Birralee faisait contraste, avec des voix non travaillées (ou en tout cas d'une technique « soufflée ») pour des standards de light jazz (Duke Elligton arrangé par Mark Hayes, van Heusen…), de musique traditionnelle (irlandaise notamment) et de musique sacrée « fonctionnelle » et légère (Joseph Twist, Ola Gjeilo…). Dépaysant, même si le contraste est un peu fort après la densité des compositions et des voix qui ont précédé – je suppose que ça tient à qui fait la première partie de qui, mais la pente aurait été plus douce en inersant les deux parties.

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Rusalka de Dvořák, reprise à Bastille

Un immense plaisir d'entendre cette œuvre de haute volée en vrai… La plus-value est énorme : la mise en scène de Robert Carsen parvient à rendre la dualité des mondes grâce à des dispositifs très ingénieux de répartition de la scène comme en miroirs. Selon un axe horizontal au début, pour séparer la terre des eaux, logique ; mais Carsen pousse la finesse jusqu'à inventer une sorte d'intrigue secondaire à l'acte II (qui est, il est vrai, une simple histoire d'inconstane et de jalousie, très classique), grâce à une disposition autour d'un miroir imaginaire vertical, derrière lequel Rusalka semble être prisonnière, comme symbole de sa perte de parole.

Tout cela est assez invisible au DVD, qui semble une petite transposition bourgeoise assez molle – alors que la chambre d'hôtel est au contraire une trouvaille fulgurante, notamment pour la fin, dans cet Enfer aux contours flous où Rusalka finit par s'enfermer avec son amant occis.

Vocalement aussi, une très, très grande soirée – meilleure qu'à peu près tout ce qu'on peut trouver actuellement, même sur les scènes tchèques, et sans comparaison avec le trio Fleming-Larin-Hawlata du DVD (fort honorable, mais loin de cette éloquence).

La palme va à Igor Gnidii (le garde-forestier), baryton ukrainien dont l'émission antérieure et extrêmement facile (on dirait qu'il porte ses mots et tout son timbre riche sur le bout de ses lèvres) évoque les plus grands Âges d'Or du chant ; et à Pavel Černoch (le Prince), gardien de la typicité tchèque mais en plus capable de choisir entre une émission pleine et une voix mixte totalement radieuse, qui adapte par degré aux situations et à son expression – car, en plus, il est doté d'une éloquence verbale qui parvient à passer dans le hangar à bateaux où se tient la représentation. Décidément, la technique tchèque reste à la fois l'une des rares écoles nationales très typées, et peut-être la seule qui ressemble encore à ce qu'elle fut il y a soixante ans ! Une notule sera consacrée à ces questions autour des écoles russe et tchèque, en comparaison et avec des fichiers sonores.

Le reste était excellent aussi : les aigus de Svetlana Aksenova (Rusalka, vous trouverez ses témoignages sonores précédents sous le patronyme d'Ignatovitch) rétrécissent étrangement, mais pour le reste, ampleur dramatique et chaleur capiteuse, dotée d'une belle élocution (même si le placement et l'accent restent clairement typés orientaux). La voix idéale pour Bastille, où ce n'est pas tant le détail que la qualité du grain et la persuasion du trait général qui comptent.
La très jeune Alisa Kolosova, en Princesse Étrangère, étonne aussi par sa puissance et son aisance, en plus d'une présence vénéneuse et charmeresse assez impressionnante. Incarnation très complète. Quant à Dimitry Ivashchenko (qui revient à Paris l'an prochain, pour Kaspar du Freischütz me semble-t-il), l'Ondin, on ne peut qu'être frappé par la robustesse de la voix, très riche en harmonique, qui se promène sans diffulté dans le vaisseau de Bastille, malgré la longueur des scènes qui lui sont confiées. Larissa Diadkova, en comparaison de toute cette compagnie, ne paraît même plus extraordinaire.

Et friandise pour couronner le tout, Diana Axentii en marmiton – je lui trouve un charme tout particulier dans les rôles de « secondes filles » ou tranvestis…

Chose étonnante, l'Orchestre de l'Opéra, dirigé par Jakub Hrůša, conserve un grain très français (ces cordes un peu rêches) qu'on ne lui entend pourtant pas souvent, même dans le répertoire national. En tout cas, cela contribue au charme puissant de la soirée.