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Commentaires

1. Le dimanche 4 novembre 2018 à , par Xavier Busatto

Attention, Koechlin à la Philharmonie ce n'est pas le 22 à 20h30, mais le 21 à 20h.

2. Le dimanche 4 novembre 2018 à , par DavidLeMarrec

Je suis flatté de recevoir plein de commentaires détaillés sur telle formulation ou telle inexactitude sur cette notule, qui m'a pris beaucoup de temps que j'aurais voulu placer dans des notules un peu plus ambitieuses… mais qui trouve manifestement son public !
Bon, pour toi, pas trop de pépites je crois, j'ai surtout élargi mon radar en théâtre de langues exotiques et petits concerts baroques étranges… Et pour le Quintette de Cras, je ne l'ai découvert que le jour même (sur ton forum d'ailleurs, grâce à Actéon !), alors… Il n'y a guère que le Franck-Durosoir par Syntonia (la tuerie !), mais je crois que tu ne peux pas ce soir-là. :/

Merci pour ta rectification ! C'était correctement noté sur mon agenda, j'ai fait une erreur de recopie. Bon, pour la Philharmonie, on peut supposer que les gens réservent avant d'arriver la fleur au fusil, c'est un peu plus gênant pour les concerts qui ne sont qu'à peine annoncés. L'occasion de le redire : je ne fais que le travail de débuscage, vérifiez toujours les informations, la date, le tarif, la disponibilité des places… ! Ou bien je compte sur les sentinelles civiques comme toi. :)

3. Le samedi 24 novembre 2018 à , par DavidLeMarrec :: site

Soirée #47.

À l'Odéon, L'École des femmes mis en scène par Stéphane Braunschweig.

Le texte a des moments de modernité assez sidérants, tout de même. Alors qu'il brode sur le thème « Comment l'esprit vient aux filles » (sous-titre d'un opéra comique de Favart), il parvient à inventer dada (« Le petit chat est mort »).

Tout n'est pas idéal dans cette mise en scène – le début dans la salle de sport (pour expliquer les propos de vestiaire ?) lumières allumées dans la salle, c'est en tel décalage avec la sophistication et la distance des alexandrins, ça ne fonctionne pas vraiment.

En revanche, en avançant dans la pièce, Braunschweig réussit de belles choses : son Agnès est une sorte de Mélisande, d'une ingénuité sans doute réelle, mais pas sans jeu ni prédation… Il nous envoie aussi de façon assez violente et troublante le décalage des âges, avec Suzanne Aubert (extraordinairement crédible en fillette de treize ans !) habillée trop court, agitant ses jambes, suscitant le désir d'une façon mi-instinctive, mi-calculée, et bâtissant progressivement une gêne d'autant plus grande vis-à-vis de son mariage avec le vénérable Arnolphe (là aussi, tout ne fonctionne pas, mais j'aime toujours beaucoup Claude Duparfait, depuis longtemps un fidèle truchement de Braunschweig).

Et il est vrai que le texte lui-même possède cette crudité dans le détail des premiers émois d'Agnès, son exposition sans apprêts, malgré l'élégance de la langue hautement versifiée, de la découverte d'un corps aux fonctions nouvelles.

En cela, le texte est réactivé avec beaucoup de vivacité, et retrouve sans doute une part de son abrasion première.

4. Le dimanche 25 novembre 2018 à , par Falstaff

Bonjour ! Et les "Impressions de Pelléas", données le 29 et le 30 au CRR, jugez-vous que ça vaille la peine ? Je ne sais pas d'ailleurs si ces concerts sont gratuits ou payants. Merci pour votre avis.

5. Le dimanche 25 novembre 2018 à , par DavidLeMarrec

Bonjour Falstaff !

Je crois (le programme n'était pas clair) que ce sont de larges extraits, voire tout Pelléas avec piano. Ce peut être un peu aride (ça dépend vraiment de l'accompagnateur, et de l'aisance des chanteurs, j'ai vécu les deux expériences opposées, fascinant avec des petits du CNSM, mortel avec des gens célèbres…), mais je sais qu'il y aura Halidou Nombre (les deux soirs ?) en Golaud, un des chanteurs les plus épatants que j'aie entendus ces derniers mois, une voix de baryton qui parvient à conjuguer la densité et la clarté, avec des graves pas du tout forcés et des aigus faciles.

Le confort acoustique et visuel est parfait dans la salle Landowski, ainsi que l'attention du public en général. Les manifestations du CRR sont toujours gratuites, et quasiment toujours sans réservation (et jamais complètes, ils ouvrent le balcon si c'est plein).

Je suis retenu par plus rare, mais je suis très tenté… sans pouvoir rien garantir du tout : pour un tel exercice, cela dépend vraiment de la qualité individuelle de chaque chanteur (et plus incertain encore, de son adéquation aux logiques propres à Pelléas). En principe, au CRR en fin de parcours, ils sont tous bons, mais il suffit d'avoir un Pelléas un peu fébrile ou une Mélisande malhabile, ou tout simplement une approche un peu trop statique de la déclamation debussyste, et l'édifice fragile peut vite s'effondrer.

En somme, c'est très attirant, mais je ne suis rien garantir du tout…

6. Le dimanche 25 novembre 2018 à , par Falstaff

Apparemment ce serait plus que des extraits, c'est véritablement une œuvre de Constant qui permet de jouer "Pelléas" avec des moyens limités. Merci beaucoup pour cette réponse détaillée et nuancée, comme toujours !

7. Le mardi 27 novembre 2018 à , par DavidLeMarrec

Ah oui, en effet, ce sont les Impressions de Pelléas de Constant, je peux donc un peu mieux en parler : version accompagnée par deux pianos (ça procure vraiment une profondeur de son beaucoup plus conforme à l'original que les versions piano seul), et qui, tout en conservant les interludes, fait un choix restreint de scènes : 1h30 de musique !

I : il ne reste que la lettre (pas de forêt ni de navires)
II : que la fontaine (pas de chambre ni de grotte)
III : que le balcon et Yniold (pas de souterrains ni de terrasse)
IV : que l'outrage et la fontaine (pas de début ni de pierre lourde)
V : un extrait de dix minutes (« J'ai tué sans raison »)

Il manque évidemment des choses essentielles là-dedans, je ne vois pas trop l'intérêt de couper (on peut se passer des marins si on n'a pas les sous), à part éventuellement l'acte V qui est clairement inférieur aux autres… mais tout le monde attend la première scène, le bateau, les souterrains, l'arioso de la terrasse, les répliques insupportables d'Yniold (et puis je ne puis me passer d' « il est vrai que ce château » ni de « j'aimerais mieux avoir perdu tout ce que j'ai »).

Bref, sans doute très intéressant et un peu frustrant aussi.

8. Le mardi 27 novembre 2018 à , par Falstaff

Ah oui, c'est effectivement très étrange ! Merci beaucoup. Pour ma part, dans "Pelléas", mon intérêt diminue d'acte en acte... Mais j'irai sans doute.

9. Le mardi 27 novembre 2018 à , par DavidLeMarrec

Je me rends compte que la première (je crois) version discographique de cet arrangement a paru il y a quinze jours, dans une très belle distribution.

https://www.deezer.com/fr/album/76439452

Je me rends d'ailleurs compte, en l'écoutant, que je me suis trompé, il y a bien la première scène, mais intégrée après le premier interlude et la lettre de Geneviève, d'où ma méprise sans doute.

Si je n'étais pas ailleurs pour encore plus étrange (Giove in Argo de Lotti, Songfest de Bernstein, Manfred de Tchaïkovski), je m'y serais bien glissé !

(tout de même, entre les souterrains-terrasse, la torture d'Yniold, au III, et bien sûr le grand duo tournoyant du IV, je n'ai pas du tout ce sentiment ; en revanche le V, plus uniforme, plus sirupeux aussi, me paraît clairement moins marquant – dramatiquement aussi, il n'y a plus beaucoup d'enjeu)

10. Le mardi 27 novembre 2018 à , par DavidLeMarrec

Bien, en ayant presque tout écouté ce soir : en réalité la plupart des scènes sont là, mais il y a des coupures. Il aurait pu simplement couper le V, j'insiste (comme dans sa suite symphonique remarquable, qui s'achève sur le climax du IV), au lieu de raboter partout (et de ne donner qu'un fragment du V). Je ne vois pas trop l'intérêt de ne pas tout donner, l'ensemble est déjà très conséquent, on peut faire l'effort de jouer ou d'écouter ce qui manque !

La véritable plus-value tient dans les deux pianistes, qui permettent de rendre bien mieux compte de l'écriture orchestrale que la partition piano d'origine, très nue.

11. Le lundi 3 décembre 2018 à , par DavidLeMarrec

#ConcertSurSol #46

Proposition fort rare de Cléopâtre captive de Jodelle, un des emblèmes du théâtre Renaissance (et la première pièce largement en alexandrins, me semble-t-il), par la compagnie Oghma (originaire du Périgord), au château d'Écouen, puis à l'auditorium de la BNF.

J'avais hésité à m'y rendre, n'aimant pas beaucoup ce texte : je n'en vois pas trop le but, élaborant sur un épisode rebattu avec assez peu de nouveautés, au moyen de blocs de parole qui sont loin d'avoir le panache de ceux de représentants plus tardifs du théâtre pré-classique, comme Garnier ou Viau. Ni l'histoire, ni la structure, ni la langue n'accrochent une impression de pertinence chez moi – considérant l'importance de ce texte dans notre héritage, je ne doute pas d'avoir tort, mais si je formule mon avis en toute honnêteté en laissant de côté les arguments d'autorité, je ne vois pas ce qu'on lui trouve, à la lecture et relecture.
(Le concept de la tragédie humaniste, qu'elle inaugure, est de proposer une déploration sur une catastrophe subie, dans un style élevé, toutes choses que je ne trouve pas très réussies ici, à l'aune de critères sûrement subjectifs et anachroniques.)

Mais un des plus beaux plaisirs du spectacle vivant est d'oser le décentrement, de se confronter à ce qui ne nous paraît pas naturel, avec la légitimité que donne la présence de vraies personnes qui cherchent avec générosité, comme ici, à bâtir des ponts entre un texte aussi loin que possible de nos usages contemporains (quand on pense aux séries à storylines multiples et plot twists permanents, tissées par séquences de deux minutes intercalées…).

Et précisément, le miracle opère : en prononciation resrtituée, les belles protases sonnent avec une grande musicalité (d'autant que, pour les récits didascalisants, on y a adjoint une viole de gambe qui joue sur doubles cordes un tétracorde descendant, qui, avec la déclamation semi-chantée, évoque tellement les mélodrames grecs, moments de saisissement semi-chantés et accompagnés – par de la musique fondée sur des tétracordes, précisément…), et si la syntaxe un peu longue des périodes ne permet pas toujours de suivre toutes les finesses, l'atmosphère, la beauté du flux possèdent leur pouvoir de persuasion propre.

Je n'en sors pas forcément plus convaincu ou éclairé sur le fonctionnement du texte – ce doit être documenté, mais je me suis demandé si le court chœur était réellement parlé, où qu'on n'avait pas eu le temps / trouvé le moyen de le récrire –, en particulier cette représentation d'une action à la fois usée, même à l'époque, et décrite d'une façon pas du tout caractéristique (Cléopâtre une amoureuse tout le temps en pâmoison, faire de la suite d'Actium une histoire de cœur brisé et de mansuétude du souverain – image transparente d'Henri II –, vraiment ?). J'ai aussi entendu dire de la part de gens mieux informés que moi que la compagnie, qui est en effet spécialisée dans le baroque, avait adopté une gestuelle (dont on sait peu de choses) finalement plutôt baroquisante-archaïque que réellement Renaissance (ce dont j'avoue ne pas pouvoir du tout juger).

Une très belle expérience, même si je crains de l'avoir abordée à rebours de son projet initial, centrée sur le prestige de la parole – un peu le même malentendu que mon (notre) amour pour Boulez, je devine !

12. Le mardi 4 décembre 2018 à , par DavidLeMarrec

#ConcertSurSol #49

Concert autour des Cantiques de Noël d'Ernest Gagnon, compositeur canadien ayant vécu à Paris (et étudié auprès de d'Indy), des arrangements encore joués outre-souille. Des pièces très sobres, sur des thèmes qui ont traversé les siècles et fait le bonheur des organises comme les beaux jours des célébrations du solstice (« Çà, bergers, accourons tous », « Les anges dans nos campagnes »). Par Le Vaisseau d'or à Saint-Philippe-du-Roulle.

Le tout couplé avec d'autres œuvres accompagnées seulement par l'orgue positif de Hiroko Nakayama : Bouzignac, du Mont, Mozart (Ave verum corpus), Berlioz (adoration des Bergers de L'Enfance), Bruckner (Locus iste), Saint-Saëns (oratorio de Noël), Leontovych (le fameux cantique ukrainien des cloches, chanté en anglais).

Les pièges de Gagnon ont davantage hérité du souci de collecte et d'hommage au folklore de d'Indy que de sa recherche harmonique post-wagnérienne, mais tout le programme prenait son sel, en réalité, de l'interprétation : tout cela était joué à un ou deux par partie (selon les pièces et les registres), servi par des timbres très nets, et animés par le spécialiste du Verbe vainqueur Martin Robidoux.

Sopranos : Marie Planinsek, Gwenaëlle Clemino
Alots : Matthieu Lancian, Eve-Marie Daoulas-Mamy
Ténors : Fabrice Foison, Sébastien Obrecht
Basses : Sergio Ladu, Aurélien Simonot

Particulièrement séduit par l'assise et la sobre générosité de Fabrice Foison, ou par le timbre joliment coloré de Matthieu Lancian, mais c'est avant tout l'effet ensemble qui frappe, la netteté de cette façon « baroque » de chanter le répertoire romantique, et ces changements de couleurs et d'ampleur remarquables pour un ensemble au nombre si réduit – effets d'enflement du son, jeu sur le métal ou non des voix, pour modifier soudain la texture, la couleur, le climat des reprises… Martin Robidoux est un magicien.

13. Le mardi 4 décembre 2018 à , par DavidLeMarrec

#ConcertSurSol #50

Quatuor n°3 de Beethoven et Langsamer Satz de Webern par le Quatuor Elmire. (Concert « Prélude » à la Philharmonie de Paris.)

Très jeune ensemble (formé en 2017) par de très jeunes musiciens (Cyprien Brod, Khoa-Nam Nguyen, Issey Nadaud, Rémi Carlon), de très grande valeur, aussi bien dans le consonant Webern richardstraussien de jeunesse (avec quelques sorties de routes qui n'excèdent pas vraiment le modèle) que dans le premier quatuor composé par Beethoven, dont les développements excèdent déjà tout à fait Haydn (en 1798-9), et dont les figures d'accompagnement se trouvent ici remarquablement animées par le Quatuor Elmire.

En particulier séduit par cet alto très doux et surtout le violon de Rémi Carlon, qui résonne avec une forme de générosité pas du tout tapageuse, profondeur de son qui semble toucher à l'intimité – et phrasés qui ne cèdent rien à la facilité d'effet que pourraient rendre tentante une telle beauté de timbre, une telle richesse d'assise.

Très beau concert – et de près à la Philharmonie, pour ces concerts gratuits, on entend parfaitement les instruments, sans réverbération, seulement le son détaillé, libre et naturel de leur ensemble.

14. Le mercredi 5 décembre 2018 à , par DavidLeMarrec

#ConcertSurSol #54

Simone Boccanegra de Verdi à Bastille (mise en scène Bieito).

Frappé, à l'écoute, par les préfigurations très nombreuses de La Forza del Destino et, surtout, de Don Carlos, même les parties écrites dès la première version de l'œuvre (on joue toujours la version révisée). L'opéra, indépendamment même de son livret qui vagabonde à coups de décennie et de révélations de ce qu'on croyait évident (je doute que quiconque voyant l'opéra pour la première fois puisse anticiper que l'identité de Fiesco était secrète et qu'il passait pour mort… et doit sans doute se demander le pourquoi de cette révélation finale), est écrit d'une façon particulièrement étrange, juxtaposant des quasi-ariettes avec des ruptures de ton très spectaculaires, comme dans aucun autre ouvrage de son auteur (qui, certes, tend depuis toujours à effacer progressivement les numéros, et en particulier à partir de Stiffelio).
    Les couplets belcantistes qui arrivent soudain au milieu de récitatifs très mobiles et expressifs, comme « Vous le savez / Ben lo sapete » de Don Carlo(s), sont légion dans Boccanegra, changements soudains de style assez déstabilisants, comme si Vivaldi se mettait soudain à citer du Monteverdi au milieu d'une aria…

Étrangement, alors que j'aime beaucoup cet opéra (ou, du moins, ses portions les plus marquantes, qui sont parmi ses plus belles pages, dans un catalogue qui n'en manque pas), pas vraiment bouleversé. La distance dans Bastille peut-être, ou l'intensité des concerts précédents (Tarare, Concerto pour violon n°1 de Martinů, Manfred de Tchaïkovski… !). Comme on peut le deviner au disque, c'est particulièrement mal orchestré, et en salle, on ne peut se soustraire aux moments moins marquants – pour moi, ce sont surtout les rôles d'Adorno, Paolo et Fiesco qui portent tout l'intérêt musical. Hors de leurs apparitions et lignes vocales, je suis moins enthousiaste.
    Mon sentiment envers les Verdi est très déstabiliant, assez différent en salle du disque où je les aime tous : Rigoletto et Boccanegra ne m'ont pas particulièrement intéressé, alors que Nabucco et le Trouvère m'ont enthousiasmé à chaque seconde – sans parler de la révélation de Falstaff !

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Côté exécution, de grandes et belles voix, qui me touchent diversement bien sûr. Admiré la voix très pharyngée (résonant à l'arrière de la bouche) mais très sonore et aisée dans l'aigu, chez Anita Hartig (que j'avais choisie plutôt que Maria Agresta pour sa mobilité expressive, moins évidente dans le hangar de Bastille), la tenue de ligne et la gestion savante de (l'abondante) couverture vocale chez Ludovic Tézier, un grand maître, tout en restant un brin frustré par ce timbre voilé dont il s'accommode depuis plus de dix ans (et quand on l'a entendu avant, il manque quelque chose de la fermeté, de la richesse du timbre).

Un peu déçu à nouveau par Mika Kares : je l'avais trouvé exceptionnel dans le Vaisseau fantôme par Minkowski, une belle basse noble, ample et expressive, mais la voix est un peu courte pour Bastille et surtout, dans Verdi, l'aigu manque de brillant, le médium de métal… le manque de mordant et d'éclat n'est pas possible dans ce répertoire (dans Mozart ou Wagner, ça ne poserait pas de problème). Il devrait vraiment, si ça carrière le lui permet, se tourner vers une autre spécialité que le répertoire italien, où il ne montrera pas, je crois, sa pleine mesure.

Comme je m'y attendais, enchanté par Francesco Demuro : il n'est pas très apprécié des glottophiles, car la voix est peu ample et guère virile, mais on a là une des plus belles dictions italiennes actuelles, avec une couverture minimale, surtout de l'aperto-coperto convoqué dans certains aigus exposés, un métal brillant qui lui permet d'être bien audible malgré le volume limité, une émission bien à l'avance qui permet la clarté, l'intelligibilité, le mordant… Certes, ce n'est pas un Adorno réellement spinto, qui puisse s'autoriser de grands éclats, mais il est très concerné, très vivant, à la fois très bien chanté et réellement frémissant. Ça suffit à me ravir, d'autant que, quoique rôle secondaire, il chante possiblement les meilleures pages de tout Verdi.

Enfin révélation pour Nicola Alaimo (Paolo) : remarquable belcantiste à la longueur et à l'égalité de souffle remarquables, mais dont je doutais de l'état de baryton, trouvant sa voix un peu lisse, manquant d'assise. Même si on peut toujours se demander s'il ne dispose pas d'un potentiel de ténor, considérant la facilité de l'aigu, les harmoniques graves se perçoivent très bien en salle, et au contraire des bandes enregistrées, j'y découvre un éclat remarquable, un squillo qui semble sonner à la tierce, comme les harmoniques des mutations dans les jeux d'orgue !  Et lui aussi a des mots à revendre, combinant toutes les vertus à la fois : longueur de ligne, beauté du timbre, sens des mots, autorité des éclats. Un grand.

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J'aime beaucoup Fabio Luisi (sacré sens des phrasés, des tuilages), mais décidément, son répertoire suscite la curiosité : il dirige donc autant l'opéra italien romantique soumis aux chanteurs que le répertoire contemporain, ou les grandes fresques du répertoire symphonique…

J'ai néanmoins trouvé l'Orchestre de l'Opéra sur la réserve, comme souvent : on le voit d'ailleurs, ce n'est pas qu'ils ne jouent pas, mais ils ne sont pas à fond, on perçoit vraiment qu'ils n'ont pas le sentiment de vivre un moment exceptionnel. Il font (bien) leur boulot, mais ça s'entend, dans les tensions verdiennes, qu'on joue la dynamique écrite et pas forcément la situation, l'affect – encore moins sa vie. Un peu triste.

Le Chœur de l'Opéra en revanche, malgré son recrutement individuel que je trouve aberrant (voix très lourdes, chanteurs qui ne maîtrisent pas le français chanté…), continue son assouplissement : bien que ce soit du Verdi, jamais crié, et beaucoup de nuances, de demi-teintes, les nuances douces sont magnifiques (et pour une fois les fortes pas agressives, juste glorieuses). Un vrai plaisir.

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Enfin, la mise en scène de Calixto Bieito, que j'aime beaucoup. Pour ses Mozart dérangeants mais pas absurdes (Così), pour son Wozzeck à l'usine, extrêmement pertinent et persuasif… Mais les pires critiques que j'ai lues sur la production, auxquelles je ne croyais guère, se sont matérialisées sous mes yeux.

Il faut décidément (je ne plaisante pas) interdire les décors, voire les costumes, aux metteurs en scène. Qu'un artiste de cette qualité fasse joujou à faire tournoyer sa carcasse de bateau (Boccanegra semble être un armateur, mais rien ne concorde avec dans le livret, ils auraient pu substituer les mots-clefs de la politique génoise, au moins !), en laissant les artistes démunis en front de scène, c'est assez désespérant sur le pouvoir d'attraction nuisible de ces accessoires.
    Pourquoi mettre tout cet argent dans une structure gigantesque, qui a dû coûter une fortune à concevoir, réaliser et stocker, et ne même pas y faire monter les personnages, ni la relier à l'action – tout se passe au pied de cette poupe, sans qu'aucun personnage s'y intéresse jamais… ?

Par ailleurs, les rares efforts ne fonctionnent pas bien : le cadavre de Maria (tuée par Fiesco ?) traînée sur l'avant de la scène, ne serait pas mal vu au théâtre, mais il contredit totalement la pureté assez extatique de l'air d'entrée de Fiesco, et gêne l'expression propre de la musique, sans rien lui apporter, du fait de l'incompatibilité. Comme si Bieito n'avait pas même passé le disque sur sa chaîne (ce qui est très probablement faux, pourtant). Contrairement à l'exécution musicale, une mise en scène peut se préparer, tout de même !

Seule trouvaille pas excessivement originale, mais réussie, le vagabondage du spectre de Maria, que rencontrent Amelia et le Doge dans leurs appartements, et qui plane en effet sur toute l'intrigue alors même que le personnage n'apparaît jamais. Rencontres sans lourdeur, simplement une présence familière et attristante, assez bien figurée.

Il m'a donc manqué, en mise en scène comme à l'orchestre, l'étincelle du petit supplément d'engagement qui fait toute la différence, mais ça reste une soirée de très haut standard – sauf, donc, pour ce qui est de la profondeur de la conception scénique (Tézier passe un acte et demi à mimer Parkinson, figé en front de scène, comme si le metteur en scène l'avait abandonné pour aller acheter des cigarettes et puis traîné en rencontrant un pote au coin de la rue…).

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